Une expérience d’écoute récente révèle bien plus que la simple amélioration sonore. Au cœur d’un système haut de gamme, les détails cachés d’une musique familière émergent, transformant notre manière d’appréhender le son et enrichissant notre compréhension de chaque pièce.
Écouter avec cette référence n’implique pas que tout a un son “meilleur”, mais plutôt de comprendre ce qui existe réellement dans l’enregistrement
Lorsque l’on reçoit une invitation de l’une des marques les plus éminentes du monde audio, la réponse ne peut être qu’un oui enthousiaste. C’est comme si la royauté demandait votre présence à un événement. Refuser serait impensable, il faut donc se préparer et se rendre à l’endroit indiqué.
Bowers & Wilkins, figure de proue de la haute fidélité, a récemment convié à un moment d’écoute dans leurs locaux à Barcelone. Une occasion précieuse à ne pas manquer pour quiconque s’intéresse à la hi-fi.
Sur place, j’ai eu plusieurs révélations. Tout d’abord, malgré son intégration dans le groupe Harman, B& W reste fidèle à son essence. Pour les audiophiles, il est crucial que les marques conservent leur indépendance, surtout lorsqu’elles dégagent une identité sonore forte.
Pour ceux qui nous suivent régulièrement, nous avons déjà testé des produits de la marque. Je pense notamment aux excellents écouteurs TWS Bowers & Wilkins Pi8, ainsi qu’aux casques de haute qualité Bowers & Wilkins PX8 S2. Toutefois, ce que j’ai découvert à Barcelone dépasse de loin leur offre en matière d’écouteurs.
Un peu d’histoire : comment en sommes-nous arrivés là ?
Façade de la boutique originale Bowers & Wilkins à Worthing
Il ne s’agit pas de ma relation personnelle avec le fabricant, mais de son histoire. Tout commence avec John Bowers, qui a servi dans le Royal Corps of Signals pendant la Seconde Guerre mondiale, œuvrant dans le domaine des communications militaires. Ce parcours influencera sa perception du son : précision, neutralité et maîtrise.
Après la guerre, Bowers a quitté pour Worthing et a ouvert une petite boutique de radios et d’équipements audio avec Peter Hayward, vendant aussi bien que réparant. C’est ici que Bowers commença à se distinguer en améliorant les appareils qui lui parvenaient. Son objectif était de rendre la reproduction sonore aussi fidèle que possible.
Une des clientes régulières était une dame âgée, venue faire réparer son poste de radio. Comme à son habitude, il ne se contenta pas de réparer, mais améliora également les haut-parleurs, ce qui ravit la cliente. Cette attention a donné naissance à une amitié particulière.
À son passage, la dame laissa 10 000 livres à Bowers, une somme significative d’alors. Cet héritage marqua un tournant : il racheta sa part à Peter Hayward et confia la gestion à Roy Wilkins, donnant naissance en 1966 à B& W Electronics Ltd. – le nom commercial Bowers & Wilkins viendrait plus tard.
À partir de ce moment, grâce à l’héritage reçu, sa mission était claire : concevoir les meilleurs haut-parleurs du monde pour un marché de la haute fidélité en essor. Cette détermination l’amena à être reconnu dans les mythiques Abbey Road Studios, et il fabriqua plusieurs des gammes de haut-parleurs les plus emblématiques, comme la série Nautilus. À cette occasion, j’ai eu l’occasion d’écouter leurs équipements tout un jour. Un tel privilège dit beaucoup sur une marque.
Dans l’un des temples du son à Barcelone : voici comment sonne le haut de gamme
Marantz, une des marques partenaires de Bowers & Wilkins, est bien présente dans leur showroom
Avant d’aborder ce que j’ai pu vivre au cours de cette visite, il est essentiel de préciser un point important : la majorité ne sont pas préparés à la minutie du son high-end. Je ne parle pas d’audio haute résolution, c’est un autre sujet. De plus, comme je l’ai déjà mentionné à plusieurs reprises, cette certification est attribuée en fonction des capacités matérielles d’un appareil, non de son impact sur le signal.
Nous parlons ici de systèmes qui traitent la signal audio avec une grande délicatesse. Ce n’est pas de la haute résolution due aux capacités, mais à ce que l’on peut réellement entendre. Il est aussi crucial de noter que pour des oreilles habituées à des équipements “grand public”, la fatigue auditive peut être conséquente. Ce n’est nullement un jugement sur la qualité de ce que l’on entend, mais un type de surstimulation auditive, si un tel concept existe. Cela a été ma sensation.
Pourquoi cela se produit-il ? J’ai lu des éléments sur la psychoacoustique : passer d’un équipement banal à un véritable haut de gamme demande la construction d’une nouvelle référence mentale. Bien que nous connaissions les morceaux – après tout, ce sont nos choix –, un système qui restitue tant de microdétails avec une telle précision implique un effort supplémentaire de notre cerveau. C’est souvent écrasant.
Un système surround conçu pour impressionner
Vue de la salle surround
J’ai fait ma première expérience d’écoute dans la salle montrée ci-dessus : un système 5.1.2 avec les haut-parleurs suivants :
- Deux B & W 702 Signature en frontales pour l’image stéréo.
- Un haut-parleur central B & W 700 HTM71 Signature, qui fait le pivot central.
- Deux haut-parleurs B & W 705 Signature en surround.
- Un subwoofer B & W DB4S pour les basses fréquences.
- Deux haut-parleurs encastrés au plafond.
Ces haut-parleurs ont été testés avec l’album Live in Berlin du chanteur de jazz Gregory Porter. Outre son talent indéniable, cela a permis d’explorer l’organisation de la scène avec un matériel réel. La première chose frappante a été la stabilité de l’axe central : la voix restait ferme dans l’espace, peu importaient les variations dynamiques.
La scène sonore était vaste non par son étendue mais par sa profondeur: les instruments en premier plan se distinguaient clairement de ceux en arrière-plan, avec une articulation manifeste entre eux. Aucun voile entre les couches ; chaque plan était défini sans exagération.
Dans la nuance basse, le contrebasse et la batterie ne se disputaient pas, mais occupaient des espaces distincts : le contrebasse offrait de la texture et des tonalités ; la batterie, un impact et de la présence. Le piano maintenait une base harmonique stable sans dominer ni être noyé, tandis que le saxophone apparaissait suffisamment clair pour suivre la colonne sonore et percevoir le mouvement de l’interprète.
Le cinéma selon B & W : les films ne se regardent pas, ils se vivent
La deuxième partie de la démonstration était plus courte. Nous avons regardé une séquence de Mission Impossible : Fallout pendant environ quinze minutes – la sixième édition, avec Simon Pegg dans l’équipe –. Dans cette salle, les haut-parleurs étaient invisibles et je n’ai pas su quel système d’amplification était utilisé. Ce qui importait ici, c’était l’expérience elle-même.
La première chose frappante a été le contrôle dynamique. Dans les films, le mixage exploite souvent des contrastes brusques entre le silence et l’explosion, entre le chuchotement et le chaos. Sur ce système, ces changements ne sont pas violents ni compressés : il y a de la marge, autant pour les passages doux que pour les violents. La voix demeurait intelligible même dans l’action, sans être étouffée par les bruits moteur, les impacts ou l’ambiant.
Le son spatial était immersif sans artifices. Aucune impression de “je te fais entendre des sons derrière”, mais une continuité naturelle entre les plans : la salle était homogène. Les effets de hauteur ne paraissaient pas être des astuces, mais plutôt une expansion verticale qui élargissait la scène sans détourner de l’histoire.
En bas, le grave ne cherchait pas à impressionner. Il ne grondait pas, ne gonflait pas, ne saturait pas. Il intégr était. Lorsqu’un impact se produisait, il était là. Lorsqu’il n’était pas nécessaire, il disparaissait. Ce niveau de maîtrise est plus complexe à obtenir qu’une simple intensité, et ici c’était maîtrisé. Bien que l’écoute fût courte, elle a permis de comprendre une chose : quand un système est bien réglé, l’extraordinaire passe inaperçu. Le film se déroule devant vous.
« Le sanctuaire » : voici comment sonne le stéréo d’un système de plus de 70 000 euros
La salle que l’équipe de B & W France appelle « le sanctuaire » mérite ce nom : un espace parfaitement conçu et aménagé pour écouter de la musique exclusivement. Dominant la scène, deux haut-parleurs B & W 803 entourés d’un tourne-disque Marantz TT-15S1, d’un streamer Model 10, d’un amplificateur Marantz Model 30 – avec sa étape en classe D à contrôle élevé et un préampli avec des modules HDAM discrets qui apportent densité et sérénité – ainsi qu’un lecteur Super Audio CD de Marantz dont le modèle précis ne m’a pas été noté.
C’était une démonstration non pas orientée vers l’impact, mais vers la profondeur d’écoute. Ici, le volume et le spectacle avaient moins d’importance que la manière dont le système organisait l’espace, la texture et le temps. Le prix importe moins qu’il n’y paraît : le coût des 70 000 euros mentionnés dans le titre n’est pas lié à un son plus fort, mais à la qualité de ce son.
Nous avons d’abord testé le Super Audio CD. Un disque de Diana Krall a été choisi – le jazz est une part notable de cette expérience. Ce qui a retenu l’attention en premier lieu a été le son de la salle : cet environnement qui entoure le contrebasse, permettant de percevoir son volume réel. Dans la voix, on percevait les prises d’air., le contact entre la langue et le palais, et les petites articulations. Ce n’était pas un détail pour impressionner, mais de l’information bien mise en valeur, sans exagération.
Et c’est là que l’amplification a fait la différence. Elle n’a pas ajouté de chaleur artificielle ni atténué le signal ; elle a simplement maintenu chaque élément stable, sans surenchérir. Le grave ne dominait pas, il soutenait ; le médium n’était pas trop large, il était juste présent avec naturel. Les aigus ne brillaient pas, mais respiraient. Cette absence de tension a permis d’écouter sans effort.
Nous n’avons pas pu tester le tourne-disque en raison d’un bruit de masse que l’équipe de B & W avait identifié avant ma venue, mais nous avons utilisé le Model 10 avec Qobuz. Cela m’a permis de quitter le jazz pour entrer dans un registre plus familier.
J’ai commencé l’écoute, comme souvent dans mes analyses de matériel, avec le Black Album de Metallica. Oui, je sais que certains doivent frémir à l’idée d’entendre un tel disque sur un matériel de cette qualité, mais c’est un album dont je connais la signature sonore par cœur. Ce n’est pas mon préféré, mais c’est probablement celui que j’ai le plus écouté dans ma vie. Je peux même anticiper comment il sonne sur différents appareils.
Il reste un standard dans la production moderne de rock et métal, bien qu’il ait près de 34 ans. La mixage de Bob Rock est étudiée par quiconque travaillant avec des guitares distordues. Jusqu’ici, je l’avais considéré impeccable sur le plan technique… jusqu’à ce que je l’écoute sur les B & W 803.
Ce que j’interprétait auparavant comme « brillant » s’est révélé être une saturation dans les hautes fréquences. Les haut-parleurs ne masquaient rien. La mixage était bonne, mais elle n’était plus parfaite. Ce qui a changé, ce n’est pas le disque, mais ma capacité à percevoir ce qui se cache véritablement là-dedans. Depuis, je perçois cette saturation même sur des configurations moins révélatrices. Ce n’est pas un défaut du système, mais une caractéristique de la production qui a toujours été présente. Simplement, je ne peux plus ignorer cela.
Un autre aspect marquant de l’écoute de Black Album fut la queue de la réverbération sur la caisse claire. J’en étais toujours conscient – cette réverbération ample et théâtrale appliquée aux bordons pour donner de la dimension – mais je n’avais jamais pu suivre sa décroissance complète. Ici, oui. Pour la première fois, j’ai réussi à identifier le point précis où cette queue s’éteint dans le silence. Ce n’est pas un détail particulièrement saillant, mais révèle : le système non seulement révèle plus d’information, mais permet aussi de percevoir où elle s’arrête.
Après cette révélation, j’ai choisi soigneusement le morceau suivant. J’ai opté pour un terrain sûr : The Ballad of John Henry de Joe Bonamassa, produit par Kevin Shirley. Ici, l’histoire se révélait différente. Cette mixage laisse effectivement de l’espace. La voix était bien en avant, la guitare respirait sans envahir, et la section rythmique avait du poids sans alourdir. Plutôt que d’exposer des défauts, le système permettait d’analyser la structure interne du morceau : où entre la dynamique, où elle se relâche, comment elle demeure tendue. Ce n’était pas ‘mieux’: simplement plus compréhensible.
Nous avons clôturé la session d’écoute en plongeant dans des territoires purement électroniques. Tangram, de Tangerine Dream, et Chronologie, de Jean-Michel Jarre, ont servi à évaluer comment le système gère des scènes larges et des éléments sans origine physique évidente. Dans Tangram, ce qui, sur de nombreux appareils, apparaît comme une masse ambiante se structurait en plans : lignes séquentielles, couches harmoniques, pulsations rythmiques et textures étaient distinctes, sans perdre leur cohésion.
Avec Chronologie, notamment dans Chronologie IV, l’accent était mis sur le déplacement du stéréo. Les mouvements d’un canal à l’autre n’étaient pas perçus simplement comme du panoramique, mais comme des trajets réels dans l’espace, avec un départ, un déplacement et une arrivée. L’image ne se développait pas en largeur, mais par intention : le geste sonore pouvait être suivi dans la salle.
Les exigences derrière le son : ce que personne ne dit
À ce stade, il est facile de tomber dans le piège de penser que le haut-parleur est tout. Ce n’est pas le cas. Les B & W 803 ne “sonnent” pas par elles-mêmes : elles reproduisent exactement ce qu’elles reçoivent. Si le signal qu’elles reçoivent est compressé, mal amplifié ou altéré, c’est ce qu’elles restituent. C’est pourquoi, lors d’une écoute comme celle que j’ai vécue, le mérite revient non seulement aux haut-parleurs, mais à l’ensemble de la chaîne.
Tout d’abord, la source compte. Le Super Audio CD ne crée pas de magie, mais offre un signal propre et stable, sans pertes ni artefacts numériques qui pourraient masquer des micro-détails. Cette stabilité permet de discerner les silences et les décadences en toute clarté. Si le signal est dégradé, aucun haut-parleur ne pourra le récupérer.
Ensuite, il y a l’amplification. Il ne s’agit ni de puissance, ni de performance, mais de contrôle. Les 803 n’ont pas besoin d’être poussées : elles ont besoin d’être maîtrisées. L’étage en classe D du modèle 30 fait exactement cela : il maintient le woofer à sa place, sans qu’il sorte de son cadre ni ne distorde le mixage. Le préampli équipé de modules HDAM discrets veille au reste : un contrôle équilibré et une densité saine dans la plage medium. Sans cet équilibre, l’écoute que je décris plus haut tout simplement n’existerait pas.
Le câblage joue également un rôle clé, mais pas dans le sens mystique souvent évoqué. Il ne s’agit pas de faire sonner un câble différemment, mais de ne pas introduire de limitations. Quand on parle de sections larges – 50 mm dans ce cas – ce n’est pas pour ‘améliorer’ le son mais pour garantir qu’il n’y a ni perte ni chute de courant le long du chemin. Un haut-parleur ne recevant pas un courant stable ne pourra offrir une scène stable.
Enfin, le facteur souvent négligé : la salle. En tant qu’installation spécialisée, il y avait un traitement acoustique – tout comme dans la salle surround et celle de cinéma ; je comprends que cela fait défaut chez beaucoup de particuliers –, mais pas juste « des panneaux partout » ni comme dans un laboratoire. Il y avait des diffuseurs au plafond et derrière le point d’écoute, et l’espace était agencé de manière à ce que le son puisse circuler sans obstacles. La diffusion ne supprime pas l’énergie : elle la répartit, évitant ainsi que la scène ne se désagrège vers l’auditeur ou les haut-parleurs.
Écouter n’est pas entendre
Sortir d’une telle écoute ne crée pas un sentiment de spectacle, mais d’harmonie intérieure. Il ne s’agit pas de vouloir immédiatement investir dans des haut-parleurs de cette qualité. Ce qui change, c’est la référence, l’idée de la manière dont le son peut s’organiser quand rien ne vient le perturber. Ce changement, bien que subtil, est profond : il modifie notre façon de reconnaître et de comprendre la musique que nous connaissions déjà.
Ce qui impressionne le plus n’est pas la clarté mais l’absence d’effort. Il n’y a pas besoin de “se concentrer” ni d’analyser : l’information s’affiche d’elle-même et à sa place. L’écoute ne devient plus un acte de recherche, mais un acte de reconnaissance. C’est le même morceau, la même pièce, la même voix… mais révélée sans le voile auquel nous nous étions habitués durant tant d’années.
Une autre conséquence difficile à ignorer : tous les disques ne sonnent pas de la même façon. Certains s’en sortent avec une clarté remarquable. D’autres montrent des failles. Cette confrontation, bien qu’inconfortable, est également révélatrice. Un tel système ne fait pas l’apologie de la nostalgie ni du mythe : il montre la réalité, et c’est à chacun de décider ce qu’il en fait.
Il ne s’agit pas de poursuivre des équipements inaccessibles ni de transformer l’écoute en obsession. Il s’agit de comprendre que la musique peut être appréhendée avec plus de précision que nous ne l’avons généralement admis. Qu’il y a une différence entre entendre et écouter. Et qu’une fois cette distinction éprouvée, il devient difficile d’y échapper. Encore une fois, merci à l’équipe de Bowers & Wilkins France pour l’invitation, pour m’avoir ouvert les yeux et aussi les oreilles.